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  • Mis discos favoritos de la historia

    4 nov. 2012, 7h43m

    Muy bien. Para empezar, quiero hacer expresa mi intención de dejar una huella de mis gustos musicales actuales, haciendo uso del blog de Last.fm. Así, cuando lea en el futuro esto, me diré: "vaya, ¿realmente pensaba así?". No pienso explayarme mucho en esto. A no ser que requiera lo contrario. Si bien no tengo mucha experiencia en esto de los blogs, creo que tengo suficiente conocimiento para expresar mi opinión acerca de los discos que más me gustan (aparte, de alguna forma hay que empezar, ¿no?). Así que aquí está. This is it. Si alguien llega a leer esto, le agradezco profundamente, pero debo recalcar que la intención de esto es más que nada dejar un registro para el futuro. ¿Y quién sabe? Quizás hasta para la eternidad. Agradecimientos especiales a Allmusic, de cuya página sacaré las imágenes para acompañar. La lista es más que nada una enumeración de discos, no un ranking, por lo que el número uno no significa necesariamente que sea mejor que el tres, por ejemplo. Así que, sin más preámbulos, comencemos:

    1)Quadrophenia (The Who, 1973):

    ¿Cómo empiezo con este disco? En mi vida había oído un disco tan magnífico, con unos arreglos tan majestuosos, y una calidad musical y lírica inigualable. En cada una de las diecisiete canciones (sí, también contando a "I Am The Sea") hay una dimensión distinta del inmenso poder compositivo, del inimitable arte que nos brinda el señor Pete Townshend. La vida de un joven mod, llamado Jimmy, que se enfrenta a los problemas de la adolescencia, de la sociedad que le rodea, y de sus problemas existenciales, contada desde el punto de vista de la música rock. Cada canción contiene una letra ingeniosamente escrita, una mezcla entre tristeza e inconformismo, desde la crítica al movimiento mod que es "Cut my Hair", hasta el canto final que es "Love Reign O'er Me", en busca de una respuesta cósmica, o una oración a un dios que castiga, pero perdona. La composición, como ya dije, es realmente asombrosa. Muchas de las canciones están compuestas por pequeños fragmentos de otras canciones, siendo las cuatro melodías que representan las cuatro personalidades de Jimmy las que más se repiten. Varias están acompañadas por trompetas y cornos franceses (Cortesía del señor Entwistle) y por el sonido de un sintetizador que simula ser una orquesta, que cumple muy bien su acometido. La ejecución de los instrumentos es extraordinaria (como siempre, pero ahora más que nunca). El bajo de John Entwistle no sólo sirve para mantener el ritmo, sino que cada una de sus pistas son como una melodía aparte que sirve de acompañamiento, muestras de ello están en las canciones "The Real Me" o "The Dirty Jobs". A veces incluso sobrepasan en protagonismo a la guitarra de Pete, algo que ya venía usando mucho The Who hasta entonces. No por nada fue elegido bajista del milenio por la revista Guitar. La otra gran protagonista de esta historia es la impecable batería de Mr. Keith Moon. Por más de cuarenta años, el trabajo de Keith a recibido premios y elogios. Pero acá, su actuación es simplemente fenomenal. Como único ejemplo menciono el trabajo hecho al final de "5.15", donde simula el sonido de un tren frenando. Épico. La guitarra de Pete es hermosa como siempre en las canciones acústicas, y electrificante en las más aceleradas, como en "The Punk And The Godfather" o "Drowned". Y por último, no más ni menos, el asombroso trabajo en la voz de Roger Daltrey. Donde, en contraste a las canciones cantadas por Pete (que son algunas de las baladas más suaves del disco, sin contar su breve participación en "Punk" y "I've Had Enough") su voz calza perfecta para el sentimiento de ira, decepción y angustia del protagonista, pasando de la melancólica voz en la sección "Is It Me?" de "Doctor Jimmy", al grito desesperado y seco que es "Love Reign O'er Me", Roger se luce acá con una actuación espectacular. Me atrevería a decir que su voz tuvo más poder en Quadrophenia que en cualquier otro disco.
    La historia de Jimmy esta contada en el formato de la "Rock Opera", aunque a diferencia de lo que ocurría en "Tommy", la otra gran ópera de The Who, aquí se narra de manera casi exclusiva desde el punto de vista del protagonista, casi no requiriendo personajes secundarios (como cantantes, porque en la historia son muy importantes), salvando la excepción del botones de "Bell Boy" (interpretado por Keith, de una manera bastante cómica) y los otros trabajadores de "The Dirty Jobs". Quizás esta sea la razón por la cual la película (Quadrophenia, 1979) no siguió el formato de musical utilizado en la adaptación de "Tommy". Una de las cosas que más me llama la atención de las letras de "Quadrophenia", es el hecho de que muchos de los oyentes (me incluyo), de alguna forma u otra se sienten representados por la historia de Jimmy. Como si fuera un canto casi universal. Estoy muy seguro que Pete tenía esa intención cuando comenzó a gestar a "Quadrophenia". Y no hay duda de que lo logró.
    Desde la primera vez que lo oí, me dí cuenta de que este disco conllevaba una cantidad inmensa de trabajo, esfuerzo, dedicación y entusiasmo, y era una obra de arte. Así es. Es uno de esos álbumes que le dan la calidad de rock artístico a The Who. Si "Tommy" o "Who's Next" no convencían de que The Who buscaba algo más que tocar rock de estadio, con este disco dejaron claro cuál era la dirección en la que apuntaban. De la mente, guitarra y lápiz de Pete Townshend, al trabajo en equipo de una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos, no se desperdició ni un momento de lo que permitía el estudio de grabación y el formato en disco de vinilo de la época. Lo que me hace recordar de hacer mención a los demos grabados por Pete, donde se dejaron fuera a muchas canciones de una sorprendente calidad compositiva (algunas se lamenta mucho que no hayan podido llegar al disco final, porque eran muy buenas), y auditiva (es increíble la calidad con la que están grabadas; justifica el título de "patrón de los estudios caseros" que recibe Pete).
    En conclusión, "Quadrophenia" es uno de los mejores discos de la historia, una calidad compositiva, musical y lírica sorprendente. The Who merece mucho más reconocimiento por sus trabajos de estudio que lo que recibe actualmente. Ampliamente recomendable para cualquier fan del rock, o de la música en general. Es casi universal.

    2)News Of The World (Queen,1977)

    No. No elegí este por "We Are The Champions" o "We Will Rock You". Muy buenas canciones, sin duda, pero muy lejos de ser las mejores de este disco, y por tanto de Queen. Fue el primer disco de Queen que oí completo. Era 1977, y Queen ya estaba experimentando la fama traída por la música rock en ese entonces. Habían dejado de lado hace varios años la música progresiva mostrada en los dos primeros discos, sobretodo en Queen II, mi favorito (después haré una reseña sobre ese), para dar paso a un rock más comercial. Más "mainstream". Las canciones eran más simples en estructura (con algunas claras excepciones), pero seguían teniendo esa "magia" que caracterizaba a Queen. En este disco, son esas canciones las que predominan. Una de las características de la banda es su predilección por la experimentación, y acá se arriesgaron a tocar diversos estilos, muy variados entre sí. Tras el "proto-rap rock" de "We Will Rock You" y el himno de estadio que es "We Are The Champions", aparece "Sheer Heart Attack". Lo que más me sorprendió de esta canción cuando la oí por primera vez , fue que siempre me imaginaba a Queen como una banda de canciones suaves, melódicas, como "Bohemian Rhapsody" o la misma "We Are The Champions". Pero este fue el acercamiento de Queen al punk rock. Nada menos. Los instrumentos son tocados por Roger Taylor, y cantada entre este y Freddie Mercury. Es alucinante ver cómo estos muchachos fueron tan diestros para la experimentación. Si no hubiese sabido que era Queen (o no hubiera reconocido la única voz de Freddie), habría pensado que fue tocada por cualquier banda de punk. Pero al contrario. Al parecer, esta canción fue escrita como una crítica al movimiento punk. Luego de esta canción viene "All Dead, All Dead", una balada compuesta y cantada por Brian May. Es una canción bastante suave y hermosa, haciendo un contraste muy notorio con la anterior, acompañada casi exclusivamente por un piano, donde su letra fue inspirada por la muerte de la mascota de Brian. En seguida, comienza a sonar el piano de "Spread Your Wings", una canción esplendida, en donde la poderosa voz de Freddie, y el inigualable sonido de la guitarra Red Special hacen contraste con la tranquila melodía de piano y la melancólica composición original de John Deacon, por lo que esta canción es algo muy único. Después viene "Fight From The Inside", escrita, cantada, y tocada por Roger Taylor. Esta canción es algo así como hard rock guiado por un riff de guitarra bastante funk. La áspera voz de Roger es increíble, y la ejecución de los instrumentos es asombrosa, en especial por el "groove" que lleva la guitarra. "Get Down, Make love" es una canción psicodélica bastante especial. Aparte del íconico riff de bajo que la guía, la voz de Freddie y los sonidos hechos exclusivamente con la Red Special son incomparables. La siguiente, "Sleeping On The Sidewalk" es un agradable tributo a ZZ Top, la guitarra sigue el patrón característico de la banda, y la voz de Brian es espectacular. "Who Needs You" es la otra composición de John en el disco, y es una balada de amor acompañada principalmente por una guitarra acústica con sabor a flamenco. Luego, "It's Late" es una poderosa canción de rock, escrita por Brian, en donde la fuerza de los instrumentos es inmensurable, y Freddie, casi en un grito, le da vida a la poderosa letra. Es por esta canción que creo que su voz alcanzó el peak en el '77-'78. Finalmente, esta "My Melancholy Blues", escrita por Mercury, fue lo más cercano al jazz que estuvo Queen en su carrera (me pregunto por qué no la incluyeron en el disco Jazz). Como en su nombre, la melancolía es centro de la canción, y Freddie libera una actuación bastante dulce y nostálgica. Termina el disco con un broche de oro. Tras tantas historias contadas por las canciones que la preceden, tan distintas, y tan variadas, terminar con esta es increíble, como si todo lo anterior hubiese sido un sueño, o una aventura, y el narrador termina sacando conclusiones acerca de lo vivido. Asombroso.
    Este no es el disco más querido de Queen. Muchos dicen que fue el comienzo de la caída de la leyenda. Yo no lo creo así. Es más, nunca creí que Queen hubiese caído siquiera, siempre ví los discos posteriores como una continuación de la experimentación que siempre estimaron, y yo, como fan de la música que soy, no podría más que respetarlos enormemente por la decisión tan sabia que hicieron, la de jamás quedarse en el mismo estilo. Nunca hacer la misma canción dos veces. Y creo que en este disco se puede apreciar perfectamente eso.

    3)Dirt (Alice in Chains, 1992)

    Este disco, es bastante especial. Es una de esas joyas que solo las descubres cuando comienzas a interesarte en un estilo, género o movimiento musical específico, en este caso la corriente "grunge" de Seattle a principios de los 90's, aunque fue muy exitoso comercialmente y con la crítica cuando salió. Con su álbum debut, Facelift (y el EP Sap, que salió un año después de este), Alice había demostrado una gran capacidad musical, tanto lírica como instrumental. Casi era un insulto denominar "grunge" a esta banda (que en inglés significa "sucio"), pues los arreglos de sus canciones eran bastante sofisticados, pasando desde guitarras acústicas, ritmos que cambiaban, a veces tres guitarras sonando al unisono, y magníficas melodías. Con "Dirt", Jerry Cantrell y compañía volvían con un disco bastante oscuro y pesado en comparación, con canciones mucho más lúgubres y pesimistas, tratando temas como la drogadicción, la guerra, la muerte y la soledad. Layne Staley, el vocalista, tenía un rol más importante en la escritura del disco, firmando 7 de las 13 canciones del tracklist (con dos compuestas exclusivamente por él). Me gustaría mencionar que es uno de mis vocalistas favoritos de la historia del rock, y acá en "Dirt" es en donde más se puede apreciar su extraordinaria potencia en el micrófono, y no puedo citar un ejemplo en específico, porque en cada canción muestra una habilidad simplemente increíble. Desde el grito inicial de "Them Bones", hasta la pregunta final de "Would?", pareciera que cada canción la grabó con la idea de que sería su canción de despedida, pues aparte de las depresivas letras del disco, Layne suelta una expresión tan palpable de ira, tristeza, frustración y lamento, todas a la vez. Es algo que solo Layne podría hacer notar tan bien. Y tampoco queda atrás Jerry Cantrell, quien acá se luce una vez más con sus composiciones y habilidades en la guitarra. Como el padre de muchas de las canciones, se puede distinguir el estilo único de Jerry en la escritura y composición. Las letras son un poco menos trágicas y devastadoras que las escritas por Layne, pero no dejan de ser bastante pesimistas: "Rooster", por ejemplo, habla de las dificultades que su padre, Jerry Cantrell, Sr, vivió en la guerra. O "Them Bones", que habla de la idea de soledad que piensa Jerry que hay tras la muerte. Por otro lado, la marchante batería de Sean Kinney, y el bajo desolador de Mike Starr son parte intrínseca de la naturaleza oscura de este álbum. En cuanto a nivel musical, el disco se basa principalmente en los riffs hechos por la guitarra distorsionada de Cantrell, que le proporcionan al registro una ambientación bastante pesada, e incluso se puede sentir el ambiente a muerte y desesperación con tan solo oír la música. Pero una canción difiere con esto, y esta principalmente compuesta por una guitarra más melodiosa y melancólica, pero no por ello menos potente, es "Down In A Hole", que también es comandada por una armonía vocal hecha por Cantrell y Staley.
    El disco no es un álbum conceptual, pero la sensación de ser unificado por un tema común esta bastante presente. Por un lado, las letras que hablan de temas parecidos, con el sentimiento de desesperación y frustración como eje central, y por otro la instrumentación que se mantiene relativamente constante, sin caer nunca en la repetición.
    Trágicamente, Layne Staley fallece el 5 de Abril del 2002, casi diez años después de lanzar esta obra de arte, a causa del consumo de "speedball" (una mezcla de cocaína y heroína). Resulta triste pensar que cuando grababa este disco, su futura asesina, la droga, ya estaba haciéndole un daño irreparable. Pero Layne tenía un talento inigualable, transformar esta constante batalla y sufrimiento en poesía. Era tenebrosa y oscura, pero no por ello menos hermosa. Si bien una de las características del llamado movimiento "grunge" era el pesimismo de sus letras, Alice In Chains era la que más destacaba en esto, quizás porque a diferencia de otros grupos de Seattle de la época, ellos no solo estaban viviendo los problemas que los afectaba a todos, como la drogadicción o la muerte de un ser querido, sino que también estaban experimentando de manera directa las consecuencias de ello, y eran conscientes de que eran los únicos culpables: Y para hacer catarsis de esta frustración, dieron vida a esta muestra de arte, la música de Alice In Chains, que destacará por siempre por su unicidad en su época, por ser un grito desesperado y por llevar letras sobre sentimientos y emociones personales acompañados por música potente. Característica de cada registro de Alice, y por sobre todo, en "Dirt".

    4)In Utero (Nirvana, 1993)

    Otro disco de la primera mitad de los noventa, escrito y grabado por una de las bandas más famosas del siglo 20, y que ha pasado a la historia desde entonces. Es nada más y nada menos que Nirvana, y este fue su tercer albúm de estudio oficial. Lamentablemente fue también el último, como ya es bien sabido, debido a la muerte de Kurt Cobain. Lo primero que llama la atención de este disco es la mezcla entre el sonido melodioso de Nevermind, y la agresividad de Bleach, tomando unos cuantos elementos de ambos y uniéndolos en cada canción, formando una extraña combinación que a la primera oída suena muy experimental o, dicho de otra forma, como un montón de ruidos: guitarras desafinadas, montones de feedback y gritos casi inentendibles por parte de Kurt. Pero una vez que se le pone atención a cada detalle, resulta que cada sonido es parte de algo más grande aún, como una pequeña y poco pretenciosa "sinfonía punk". Ejemplos de esto son "Scentless Apprentice", "Milk It" o "tourette's", cada una de estas tiene en diferentes medidas la aparente desorganización musical que las hace menos accesibles al oyente casual. Pero una vez que se les pone atención y se entiende su objetivo, será natural entender que esto es algo imprescindible para el contenido y, finalmente, el impacto de las canciones. Otras, como "Serve the Servants", "Very Ape" o "Radio Friendly Unit Shifter", son formadas a partir de ritmos, melodías y efectos más "normales", aunque siguen siendo experimentales, de cierta manera. Se podría decir que la principal diferencia entre estas y las anteriormente mencionadas, es que estas se enfocan más en presentar una melodía, o siguen más de cerca la estructura clásica de una canción de rock. El tercer y último grupo, son las canciones que simplemente siguen una línea libre de experimentación o en una medida más moderada, recordando a lo que se presento en Nevermind. Estas canciones, "Heart-Shaped Box", "Rape Me", "Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle", "Dumb", "Pennyroyal Tea" y "All Apologies" (seis de las doce canciones), son canciones que se enfocan más en las letras y en la melodía vocal de Kurt, y que siguen la clásica estructura "estrofa-coro-estrofa". Aunque como ya mencione, pese a que estas canciones recuerdan a Nevermind, en comparación son mucho más oscuras y tratan sobre temas más sombríos que los de este (sin contar a "Polly"). Es esto lo que principalmente destaca a In Utero en la discografía de Nirvana, que sumado a la muerte de Kurt al año siguiente, hacen de este el más oscuro y, quizás innecesaria e inconscientemente, triste de los tres discos. Una de las intenciones que Kurt tenía con este disco, era enfrentarse al público en general que lo había conocido con Nevermind, lo que explica en parte el sonido experimental de las canciones, pero además, sus problemas personales se hacían cada vez más graves (como su adicción a la heroína, y los problemas de salud que la causaron), lo que, a mi parecer, explicaría el aura más oscuro y depresivo de In Utero. Mención aparte merece el trabajo realizado por Krist Novoselic, con sus líneas de bajo potentes y melodiosas, y Dave Grohl, con una batería estruendosa y marchante. En mi opinión, esta es la obra cumbre de Nirvana.
  • Vistos en vivo

    30 mai 2012, 9h38m

  • Colección de discos

    10 mai 2012, 0h39m